高考水粉画作品静物_高考水粉画教程

1.水粉画（苹果）要怎么画？（图解）

2.如何画好水粉画，第一次画哦！

3.水粉画怎样提高的比较快，有什么作画小技巧吗？

4.怎么能画好水粉画《高考美术类水粉》

5.水粉画中的高级灰怎么调 ，就是中央美院那种画法的 ！

6.水粉画最先要怎么画？

掌握完美的表现技巧，是使作品达到高艺术水平的一种能力。绘画的技术和方法，直接关系到艺术表现力、感染力和审美价值。因此，没有一个美术家，不是十分重视绘画技法的研究和探索的。各种绘画技法，实际上都没有固定不变的程式；绘画工具、材料的不断改进，艺术观念和审美意识的更新，以及各种绘画新风格的出现，都会促使技法的不断创新与演进。可是，各画种在自身的专业实践中，都已经积累了许多能被普遍应用的技法经验，这些技法经验是值得学习和借鉴的。

一 厚画法与薄画法

水粉画制作过程中，绝大多数颜色都需要在调色板上调配，然后进入画面。调配颜色，使用水分与白粉色的多少，是体现表现技法和水粉画特色的问题。水彩画，单纯使用水分调色来控制颜料厚薄，从而产生明度变化，并利用水色的干湿，通过颜色的渗化或重置，获得水彩画的特殊表现效果。油画则是使用调色油(松节油或亚麻仁油)与白色来调配，控制颜色的厚薄和明度变化。水粉画，介于这两者之间，可以用水使颜料稀薄，成为半透明，使白色画纸的明度也能透出色层。水分使颜色产生厚薄，厚薄产生明度变化，那就会发挥似水彩那样的湿画渗化效果，这就是水粉画中的薄画法。

如果用油画中的厚画法来制作水粉画，就得少用水分，使用较多的颜料和白色来提高颜色的厚度和明度。但是，水粉的薄画法，虽使用水分较多，也不可能达到水彩画那样的活泼、明快、流畅、水色淋漓的艺术效果。厚画法也不可能像油画那样，能将很厚的色层牢固地附着在画纸上。我们常看到一些水粉画，由于画得过厚，而使色层龟裂剥落，发生画面受损的情况。

水粉画调色，使用水分有两个目的：一是调稀颜色，便于自如地运笔着色；二是水分可使颜色稀薄到各种程度，使明亮的纸色能透出色层，显出明度的变化。如果水分使用较多，让颜色在纸面上流淌，也可以产生水色交融的效果。一般水粉画的第一次着色(或称铺底色)，大多采用含水较多的薄画法，它可使色层柔和含蓄有远退的效果。画景物阴影部分及远景常采用此法。薄画法由于水多色薄，粉质因素和遮盖力会减弱，水粉画的艺术特性就不能充分发挥，所以薄画法常常只应用在局部或画第一次色。

水粉的厚画法，容易产生水粉画的艺术特色。因此，调色盒中的颜料量要多，必须保持湿润不干，保证画笔伸入颜料格子就能蘸出充分的颜料，在调色时或画到纸面上去，能十分丰厚饱满，运笔也能随意自如。有时可以蘸几种不同颜色，可在画上塑造对象的同时通过笔法调出恰到好处的色彩，这可以画出诸色争辉的生动效果。当然，在没有充分经验与基础能力的情况下，是绝不易做到这一点的。因为在表现许多明亮物体或景色时，如天色、水面、路面、房屋等等，需调入大量的白色来达到明度的要求的，所以水粉画需要用白色时，就应大胆使用白色，并保证有一定的厚度，这样可使造型厚实有力，与薄画部分产生强弱对比效果。一般说来，用色的厚薄方面，以厚画为主，方能获得较好的水粉画效果。

二 水粉画的衔接

水粉颜料要画得色块明确、轮廓清楚比较容易，但要画得衔接自然、柔和就比较难。在写实风格的绘画写生中，表现对象的虚实关系，往往成为一个难题。在写生习作中，物体轮廓线画得像剪贴一样清楚的弊病是常见的。这弊病会使物体与周围环境脱离，削弱了对象的立体感和空间感。产生这种状况的原因有两个方面：一是观察方法，从局部出发，没有去比较物体轮廓线的虚实关系而形成的，属认识问题；二是虽在观察中认识这种虚实的关系，而缺乏表现这种关系的方法。前者的解决办法在第三章第五节“色彩的观察与调配”中已有讲述，后者的化解则需要了解水粉色衔接的一些基本规律。

水粉画通过衔接方法取得效果的关键是正确控制色彩明度的变化。在“色彩的观察与调配”一节中，已讲到如何利用调色板，先在调色板中找到颜色衔接的正确关系，然后进入画面。这是靠调色板来获得正确色彩衔接关系的好方法。一些一气呵成的水粉画作品，是趁色彩未干时，运用湿画方法完成的。颜色未干时，颜色比较容易衔接。冷暖两个色块，也可以趁色未干时在连接两个色块的地方进行部分重叠，混合后产生一个过渡的中间色，使衔接自然柔和，没有生硬的痕迹。一个器物的背光面轮廓线，总是模糊不清与背景或投影融合在一起的，属于虚实对比中的虚，强弱对比中的弱，这种比较虚的色彩关系，最适宜使用湿画的方法来获得较理想的衔接效果。可是，一幅作品在描绘过程中，较难保持画面色彩的长时间润湿不干，而颜色干燥以后，就失去湿画时的效果。此时可以将需要衔接的部位，用干净的画笔刷上一层清水，使已干的色相状况恢复到潮湿时的状况，再根据这色相状况来调配衔接的颜色。这样画家就会方便和有把握得多了。这种方法是水粉画中经常被采用的，因为水粉颜色干与湿时的色相有明显的差异。如果不采用以上的办法，在已经干燥的色层上继续作画，色与色的衔接主要凭经验，要把握好画上去的颜色的色彩个性基本上一致，干后能自然衔接，不会生硬脱节。这还可以利用在调色盒中残留的第一次色作为衔接时的依据，或先调出要与之衔接颜色的色相，作为继续衔接的标准。这些是在缺少经验的情况下采取的办法，有了经验以后，就不难判断衔接颜色应如何调配了。另一种干接的方法，是使用排线和色点，将两个有差异的色块，自然柔和地衔接起来，表现出圆润的立体效果，可以用两色中任何一个色的线或点子，在连接处画出一个过渡的中间色办法来处理，就可以达到表现效果。这和版画中，使用排线或点子表现层次的技法来交接的道理是一样的。

三 笔法

画笔是绘画表现的主要工具(其他还有画刀和追求画面特殊效果的工具)，中国传统绘画的表现技法，以笔墨为其核心，笔法更具有关键的作用。中国画是笔法与水墨、纸的特性

相结合而产生效果的，它通过点、线、面的手段，对造型、布局骨架以至气韵生动都有重要作用。

中国画的笔由于选材与制作方法存在不同，其性能各异，在用笔的方式上有中锋、侧锋，顺笔、逆笔和以虚实、轻重变化的多种笔法，通过各种笔法结合墨色，使作品形式丰富多样，显示出很强的表现力和感染力。西洋绘画，虽然在笔法技巧上，不像中国画的用笔方法那样具有重要的意义和作用，但在表现技巧上，笔法也是同样不能忽视的。中国传统绘画的笔法技巧，可以提供重要的启示，非常值得借鉴。

水粉画笔，它也与中国画笔一样，其功能的不同是由制作材料和方法的各异决定的。在色彩画中，颜色是通过各种画笔的运笔方式与技巧，产生表现效果的。画笔的质地(软硬)，型号(大小)，形状(扁、圆、尖)及蘸色、含水的多少、色彩的厚薄、干湿，及各种运笔的方式与技巧，真实而生动地表现出复杂多样的形象、景色。笔触可以加强主题的气氛、意境，能抒发作者的激情和某些主题的运动感，还可以产生画面的韵律美。许多别致的色彩效果，常依赖于笔法去获得。但现代出现的超级现实主义画风，却不着意笔触的表现力，甚至整个画面没有一点笔法的痕迹，形象塑造工整细致如照片，这是一种绘画的风格，其宗旨是极度地追求无异于现实的逼真感。

绘画中的笔法与画家的画风、个性有密切关系。从选择表现的题材、艺术的处理到表现方法和追求的情调意境，都离不开笔法。全面地介绍这种笔法技巧是困难的，但对某些被普遍应用具有规律性的用笔方法，应是必须掌握的基础知识和技能。

大笔和小笔的区别应用——大小不同的画笔应用与观察方法、用笔习惯有关。开始学画的阶段，一般都习惯于使用小笔，这是因为这个阶段写生时，在观察景物的习惯上，往往着眼于细节与局部为多，追求把所见到的细微末节，都清楚地描绘出来为满足，所以选用了小笔。这样的表现效果是可想而知的，画面的枝枝节节难以形成主题的中心，产生不了感人的魅力。如以一幅风景写生画为例，至少应该懂得，使用大笔铺底色，使色彩具有大关系。对天、地面、山丘和一些需要简练、概括的部位也要用大笔；小笔应用于塑造较小的形象，及深入刻画的细部。画一幅习作的过程，自始至终都需要多支大小画笔分工、交替使用，使笔触不至于单调而缺乏表现力。笔触是塑造形体，表现主题的艺术手段。人物或自然景物形象的塑造，必须结合对象的形体特征和结构使用笔法，圆形的物体必须用许多弧形笔法来塑造。直向的物体经常需要横向的笔法去塑造，如画粗树干或人体的手臂、腿等，结合横向的笔法去画，可以表现得更有厚度；画水面或地面，一般使用横向的长笔触，可以更显出平面的深远感；画大面积的静物桌面、背景、墙和风景中的天等比较平面的色块时，笔法要避免像泥水工匠刷墙那样单调呆板，需要自然随意用横直、斜等有笔向变化的笔法，增加生动性。但要注意，这些色块是处在主体物的后面，有一定深度，是陪衬物体，用笔要平稳沉着。使用的画笔，大小要适宜。由于画面表现的主题不同，要求的情调意境也必有异，如静穆的、和平的意境，较多使用横向的较柔和的笔法；用强烈、活泼、果断、明确的笔法表现欢快、骚动、紧张等气氛的画面；沉着，稳健的笔调与画面的严肃、庄重意境密切有关；轻柔随意的小笔触，可以加强优美、抒情的情调；大刀阔斧的大笔触，可显示出主题的粗犷、豪放与壮美。

笔法中点、线、面等形式因素的有效应用，是使画面产生丰富而生动的表现效果的重要条件，线与面相结合表现形体的方法，具有特殊的绘画效果。笔法中的线干、湿、粗、细，落笔的正侧锋、轻重、快慢、虚实等等变化，都可恰如其分地表现各种各样的形象与画面效果。中国毛笔具有线条活泼流畅，使用随意自如等特点。方头扁笔则适宜运用块面的笔法，表现具有厚重的立体空间感的景物。一些初学水粉画的作者，经常出现技巧方法的弊病，可归纳以下几类：

(1)着眼局部，专用小笔画细节而失去大体；

(2)只用一种笔法，描绘不同形体与质地的物体，缺乏笔法变化，效果单调，失去生动感；

(3)用笔不能紧密结合形体结构，形体塑造缺乏严谨、厚重感；

(4)用笔繁琐，笔调无轻重缓急的节奏感；

(5)笔法软弱无力，无强弱虚实的变化，使画面失去神采。

四 画刀的技法

画刀，对于油画来说是一种很平常的工具，而且刀形多样，效果各异。水粉画使用的画刀是从油画中借鉴过来的，这是一个创造，其所获得的特殊效果，为水粉画技法增添了又一风采。

画水粉时使用画刀，尚无固定的型号。一些水粉画家，都用油画画刀，或根据自己作画的要求，做成各种形状大小，尖头、方头、圆头等种，可随意而定。不管如何，这种刀需要薄而有弹性。只要具有这一特性，即使用塑料或竹片，也同样可以成为一把经济实用的好画刀。

画刀在表现对象时，不如使用画笔那样随意自如，能画出柔和的笔触，或有粗细变化的线，在表现具体细致的形象方面也是困难的。它只适用于厚画，而不能进行含水较多的薄画法，这是画刀的局限性。但是它的应用功能与油画中画刀的表现效果近似，对表现质地粗糙的形体、体面对比明确的对象，如山岩、泥地，概括的远景或丛树、建筑物的墙面、砖瓦和天、山、水等大块面景物，都非常适宜而独具效果。

用画刀调色，一般不能加水使颜料稀薄，配合的颜料分量要正确估计，上色前不能将颜料过多地调合就刮到纸面上去。而是通过画刀变动技巧，显现出色彩效果。实际上，画刀用色具有色彩并列的因素和效果，所以它比画笔下的色彩更为鲜明响亮和坚硬有力，以致能画出微妙而意外的色彩。画刀也可以在未干的色底上，用刀的正侧面，通过用力的轻重和不同的速度，刮出各种有变化的线、面来表现不同形体和质地的部分，效果甚妙。另外，画刀还可以用刀面蘸上薄薄的颜色，在已干的色彩表面上轻轻抹一层，似枯笔画出的笔触效果，可以丰富色彩关系，增强色彩浓厚感，也可以用此法调整色彩调子关系。以上这些，都是画刀在绘画技法中的一些实践经验。使用画刀，也要注意它的适应性，在一些不能使用画刀达到技法效果的地方，就不要使用画刀。画刀一般还得与画笔结合起来使用，才可以获得完整的艺术效果。

五 线

为什么在水粉画技法中，要专门讲讲线的问题呢?线原是与明暗一样，是造型的一种技法手段。因为从绘画实践中看，从素描训练开始，就感知到线在造型中的意义和表现力，但对它的审美价值和对艺术风貌的影响，还没有被人们充分认识到。在中国传统绘画中，以线描作为造型基础的手段，成为绘画风格的一大特征。在西洋绘画中，一些印象主义画家由于受东方美术这一形式特征的影响，吸收线条表现的魅力，从而创造新的形式和风格。水粉画的艺术特性，非常符合具有装饰性形式的要求，线自然也是其中重要的一个因素。我们可以从本书作品赏析中的丁绍光的作品里，发现其装饰画风融合了东西方古典艺术和现代艺术的装饰情趣。线不仅加强了色彩的华丽、闪跃的效果，而且线本身也充满了音乐的韵律。线的艺术功能与特色和传统的工笔重彩画中工整、严谨、优美的线条有着继承与发展的关系。其他如木刻版画中的鲜明强烈、优美雅致、粗犷质朴的线和民间年画中粗朴、古雅的线，都是水粉画可以借鉴的形式因素。线在应用中，可以作为构图和表现形象的基本骨架，然后上色彩。也可以先铺好色彩然后再用线来加强形象的表现。线可以粗细不同，浓淡各异，也可以滋润流畅，或是干枯老辣。各种线在水粉画中的应用，要根据各种不同要求，灵活且有创造性地运用，其效果才会十分丰富而有趣味(彩图15、16，作品赏析图12、13).

"如:画苹果暗部用普蓝,深红,熟褐等

反光用中绿色等

中间色用大红,深红,白,少量橘黄等

受光色用大红,朱红加白加黄等

投影用群青,紫,土黄,白色等"...

楼主要注意,我没全部看,但是可以告诉你个方法,真正能画好水粉的人,苹果的暗部是不会用纯色 比如普兰,熟褐这样的深色来画的.

画物体的暗部,应该多用的是补色关系,比如,一个红苹果,在它的暗部就应该用红色加绿色调和,(红绿两色是补色,类似的还有黄和紫,蓝和橙)但是根据每个苹果色相的不同,所选的红色和绿色也要随着变化.

水粉画（苹果）要怎么画？（图解）

一、应试时对明暗关系的把握(色彩明度)

北京画室的考生画色彩时，不注对明暗关系的表达，也有过分强调明暗关系的。这样画面层次比较单一。色彩力度不够，造成“粉” “里”“灰”的现象，其实素描是绘画基础，色彩是绘画重要组成部分，是相辅相成的。只不过很多考生没有很强的造型能力，以至于画画塑造能力不够强烈，但是只画素描关系的色彩也不是好的色彩画。

二、应试时对 色彩关系的把握(色调)

很多美术高考生画色彩静物时，只注意单个物体的色彩关系，而忽视一组静物的色彩气氛，一张画逞现给人的总体印象，一幅画的整体色调，多数学生画画出现“花”“脏”“里”“乱”“粉”等各种因素，这些都是对整体关系把握不足。

三、应试时对色彩纯度的理解(色彩纯度)

静物色彩的纯度取决于整体色调的安排，如果整个很灰，就不要画出很纯的物体，这样破坏色调，如果静物很花乱，就应该降低纯度，让画面和谐，前面的物体可以画纯一些，后面的就灰一些。依照画面的需要安排纯度的变化。

四、应试时对物体冷暖关系的把握(色彩的冷暖关系)

大多数美术高考生都知道三组对比色(互补色)，这是构成冷暖的重要部分，其实同类色里也有冷暖，所以冷暖是相对而言，要灵活运用冷暖，不同的物体也相互比较就能很好的区分出它们的冷暖和不同的色彩属性。

五、应试时对固有色的把握(固有色)

一个物体的固有色是光决定的，没有光就没有色彩，其实对固有色的把握很简单，因为它们很明确，但是画色彩不能只画固色，要把冷暖和固有色结合起来画，依照感受画。

六、应试时对环境的理解(环境色)

环境色是物体之间的相互影响。不能故意加强环境色，这样画面会有很生硬，根据对象的真实感受来，环境色一般在物体的暗部，当然不同质感的物体亮部也有。把环境色和整体色彩关系一起画，就会更加和谐。

七、应试时对空间关系的把握(色彩的空间关系)

一般的美术高考生很难画好空间，对于空间的表达不但要画素描关系，也要画色彩关系。素描关系通过黑白灰来表达，画时注意白色和重颜色的成份多少。色彩关系通过冷暖来表达。物体在不同的空间位置，会有不同的冷暖变化，通过对比它们不同的色彩关系，就能画好空间关系。

八、应试当中不同物体质感的表达(质感)

很多美术高考生问：“老师玻璃怎么画……”。我没有具体说怎么画，对于不同的物体其色彩和表现手法应该有不同的变化，不能总按一种方式去画所有物体，通过不同的色彩和不同的笔触能很好的表达物体的质感。也给画面带来生动性。

九、应试中的风格问题(表现)

风格对很多美术高考学生来说是一种误导，但是我们又不得不承认确实存在风格问题。其实风格是一个人对绘画的表现和喜好，南方人画色彩很明亮，中国美院色彩漂亮好看，大块笔触。北方人画色彩很厚重，整个色调很暗，注重造型。大多数学校运用切面画法，固有色较多，中央美院喜欢高级灰，结实，清华美院喜高亮调子，整洁、清晰。其实只要把色彩关系画好，考什么都行。

如何画好水粉画，第一次画哦！

红苹果,阴影用深红,熟褐. 转折地方可以是大红,朱红. 亮面的可以是桃红,大红加柠檬黄. 高光用常规的白加少量蓝.

整体画法 ,是先用普兰(或者钴蓝)打好框架,然后在定好的框架里上色,视频教程地址 style="font-size: 18px;font-weight: bold;border-left: 4px solid #a10d00;margin: 10px 0px 15px 0px;padding: 10px 0 10px 20px;background: #f1dada;">水粉画怎样提高的比较快，有什么作画小技巧吗？

首先，不要急于上色，有条件先弄几张铅笔或者打印出来的线稿，然后单色上次，先把色彩的明暗掌握好，每种颜色试下，同一张画，然后再上个完整的颜色，有一定基础后可以买些高考美院的书，比较好的那种，复杂点的，第一次画要看好参照的书，最好先临摹，自己观察别人怎么画的，如果你看的仔细，肯定能分的出哪个是第一笔哪个是最后一笔，旁边准备个备用的白纸，上色之前先画一笔试试，水粉不同于水彩，颜料覆盖较强，慢慢来，不要急于求成，等干了再上第二笔，新手1：不建议直接写生，难度较大，就像弹吉他，先是临摹然后再是创作。2：不建议急于求成，单色练习，再多色完成。3:不要急于求成，第一遍色彩干了再画第二笔。4：多调色，看住记住要领，色彩不要太艳丽，因为国内美院都不喜欢色彩过艳的色调，但是也不排除高光等部分，记住高级灰，看书作比较能看的出来。4：新手多看教程，视频，跟书，临摹是最好的学习方法。5：有条件的尽量买羊毛笔，不要尼龙的，时间长了你会发现真的很有区别，美院老师是这么说的。6：画画要有耐心，不要还没有一个小时就休息了，画一段时间退后观察整体效果。其余的自己把握，画画要看个人悟性的，多看看别人怎么画的就知道了。。。。。

怎么能画好水粉画《高考美术类水粉》

你好，我也是美术生，水粉画的话最重要的就是要注意观察，色感很重要，（也可以后天培养，就是抄颜色，这在应试中很常见，比如我们之前高考培训班老师都会直接帮助调好各常用颜色，去考试都不用调色，画起来填色就行，你立体起来就能出来了，而且调好放在调色盒里，监考老师根本不管）

你感觉到什么就大胆的去画，开始的时候临摹很容易画的生硬，各颜色不能调和，这个时候要胆大心细，只有发现错误错才能改正错误。

再就是熟记补色，就是对比色，常见的有红绿 ，黄紫， 蓝橙 ，具体要从色相环找相对180度的就是补色 。

用笔按照结构线走，就可以立体了，画的一般能立起来去考试应该也没什么问题，颜色用的调子要根据考试的地方不同，学校不同去定，像是央美喜欢灰色调子，而天美，湖美就喜欢明快些的步调，之类的。

相对来说，考混合大学的美术系要好些，专业要求不高，而且文化课相对要低，像是南开大学的美术系。

但是，你的这个画法可能会把你带到死胡同里 不要把画画变成背概念 要灵活 只有用心真正的感受到了才能画出好画

以上，希望你好好用功哈！加油考个好成绩！^_^

水粉画中的高级灰怎么调 ，就是中央美院那种画法的 ！

要画好速写因素很多，但在众多因素中我认为“适合自己的方法”是最首要的。当面对物象不知所措、无从下手时，那么不妨从与速写形式接近的线描连环画中去吸取经验和处理手法，如：线条的运用和方向、疏密及虚实对比、黑、白、灰的分布配置等等。在这里特别要提醒一下选取临摹范本一定要结合自己的爱好，从自身出发，这样可以结合自己的偏爱及性情，易取得事半功倍之成效，俗称“容易上手”。临摹时要有目的性、针对性，解决自己面临的问题，只要仔细体会、感悟、实践，那么你的速写定会有很大进步和起色。

其次是“取舍”处理，它是衡量速写是否成熟和优劣的关键所在。速写因时间制约，要在短时间内表现出对象的特征，必须要有整体观察能力，表现什么和如何表现？要做到意在笔先和胸有成竹，就能有的放矢，才会做到取舍和概括，下笔才能克服盲目性方可得神助，否则看一眼画一笔是画不好速写的，画出来不是呆板就是琐碎。好的速写都是统筹画面，对事物做到恰到好处一气呵成，不多一笔不少一笔，笔笔生辉，从而使画面充满感染力。

再有就是黑、白、灰层次处理也很重要。速写一般是单色（素描范畴），黑、白、灰铺垫在画面形成反衬对比关系显得尤为重要。黑通过白才能达到极致，而白也需要黑的存在才体现其价值，在黑白二色之间有着广阔丰富的灰面层次，这是绘者要着重刻画深入的地方，这一层次的递进处理如何直接导致画面的丰富性和深入性即是否耐看，画面能否出彩主要就靠灰这一层次来展现。

速写中人物是很重要的内容，也是美术考试中必考的题材。在进行人物速写前，最好能找些摄影画报一类的刊物，对作品先进行临摹，一是画报中照片人物动态千姿百态、形象丰富多彩且生动，同时人物都是静止的，随你用多少时间对象都保留着完整的造型，并能克服因水平有限而产生怕人围观的胆怯心理。当你有了一定基础后，面对真人速写就有了一定底气，自信心也增强了，用笔也更加大胆果断肯定，从而形成良性循环，进步也更加显著。

速写是最能锻炼作者眼、脑、手相互协调配合能力的，任何技能都是由生到熟、从量到质的转变过程，古人说：“废纸三千”，可以这么说：“没有画不好速写的画家”，速写是人们认识画家面貌最直接最本质最准确的镜子。只有长期坚持速写并从中不断体会感悟，速写时就会越发感到表现对象越来越顺手，画面也越来越美妙，速写兴趣也越来越高涨，此时的你面对事物就会情景交融，在你的手中自然而然就描绘出形与神、情与理、物与我和谐精彩的优美速写。

水粉画最先要怎么画？

高级灰

高级灰其实就是那些画的时间长的人普遍的一个口头语言，也可以认为是一张画里面能够配合其他色彩能够统一色调的灰色，高级灰也就是不抢颜色，比较中性，如一些明度不同，饱和度较低的眼颜色，在画面中呈现灰色状态，与纯色等饱和度高的颜色成强烈对比。

不是名字高级就是高级灰了，一般在作画的时候，用熟褐＋群青，再带有环境的色彩在其中一般这种灰会看上比较耐看稳定，，带有一丝丝的物体环境色和互补色，这样的灰远看是灰，近看耐人寻味是不错的过渡画法。

　一、灰颜色系列调配的几种常用方法。

1.基本色相互叠加再加大量的白色，能调和出不同色彩倾向的浅灰，如朱红(等量)+柠檬黄(等量)+白色(大量)很容易调出人物的皮肤的亮部颜色关系。2.补色调配法是调配灰色的主要方法，比如说黄加紫加大量白，当**量多一点时出来的颜色就是黄灰，暖黄、冷黄、牙黄等，很多黄灰系列颜色就是这样调和出来的;当紫的颜色量多一点时，就是紫灰，淡紫、蓝连等很多蓝紫灰系列颜色就是这样调和出来的;再如红加绿加白，当红色量多一点时，就是红灰，土红等很多红灰颜色都是这样调和出来的;当绿量多一点时，就是绿灰等等。3.同类色加白调配法，调和出来的颜色柔和、漂亮，如柠檬黄+淡黄+白色，出来的颜色就非常的温和。4.邻近色加白调配法等。因此可以看出，在调配灰颜色的过程中，对白色控制是非常重要的。作画过程中，常有这样的感受，忍不住加一点白，忍不住再加一点白，但千万注意不能过了，过了不但会破坏事物本身的色相，而且还会使得画面粉气十足或者使颜色干枯脏乱，有些同学一幅画画完就像用素描关系画的一样，一点色彩感受也没有，到处都洋溢着白色，所以在调配颜色的过程中，千万要注意对白色与黑色进行控制性使用，切忌随意乱用。

二、画好灰调子作品，颜色的搭配成为关键。

实际教学过程中我们都知道颜色本来没有美丑之分，哪怕是特别难看的颜色，只要搭配得好，都会非常漂亮。教学的实践过程中颜色的美来自对比，产生于和谐。有对比的颜色能刺激人神经兴奋的各种因素，但只有兴奋而没有舒适的休息会造成过分的疲劳，会造成精神的紧张，这样需要“调和”来降低颜色的各种对比。既要有对比来产生和谐的刺激美的享受，又要有适当的调和来抑制过分的对比刺激，从而产生一种恰到好处的对比和谐美的享受。色彩的对比是绝对的，调和是相对的，对比是目的，调和是手段。 世界上任何事物都是对立而生的，画面颜色的好坏评判也是靠对比出来的，不是一画就一定是好的，而是通过与画面其他颜色的比较，得出它是好是坏，所以寻找它们之间的联系，将是色调漂亮的关键因素，回忆我们的身边，被称之为很雅的物象有哪些，很雅的色彩搭配有哪些，这些都是画面颜色漂亮的色块来源。

三、掌握了漂亮颜色怎么画以后，用这些漂亮颜色去不断丰富画面色调层次，使自己的画面色调变得更加优美，生动。其次要多临摹借鉴优秀色彩作品，不断分析画面色调形成的各种因素，如黄灰调的画面需要有哪些基本色块组成，给人什么样的色彩感觉;红灰调的画面需要哪些色块，给人什么样的色彩感觉。这些感觉跟传统教学的色调组织有什么区别和变化，为什么这种感觉会更加美丽一些呢?多反复思考分析，时间长了，就能掌握灰色在画面色调形成过程中所发挥的作用。

学会用灰色作画，学会用灰色组织色调，是高考深度教学的方向，是考生作品品位拉开差距的重要因素。但它不是你短时间能掌握的，需要反复大量的作品实践，才可能练就一幅好的作品，请大家记得一张你认为好的画面，作者在作品形成背后，肯定是花了大量时间，投入大量精力的。因此，科学的勤奋努力是画好漂亮颜色的根本，考前的大量作品就是在不断地发现问题，并不断地解决问题的过程，没有特殊诀窍，只有勤奋。

其实画色彩体积感首先要考虑的就是素描关系和色彩关系。

你是哪的？河南联考的话，只要你素描关系好，哪怕色彩关系不是很好分数也能上去。怎么处理这个素描关系，就是首先你画一个物体的时候要去找这个物体的三大面，亮灰暗，有了三大面一个物体才会有一定的体积，然后在这个基础上去区分明暗交界线和找一些中间层次的面。

你所说的水果什么的不能从布纹里出来还有个最重要的原因：投影。想要把一个物体放到台面放到衬布上必须有投影。投影的强弱是最接近物体与衬布相交的地方色度最重，往远处走是慢慢变弱的。投影的颜色可以用衬布的颜色加补色让亮面衬布的颜色跟投影有一个补色对比，这样明暗关系也强许多。

布纹画的时候不要有太多的死线，注意前后的冷暖关系、纯灰关系和明暗关系，这些你做到了，那么你的桌面空间感就有了，至于布纹褶皱尽量不要出现那种三条的鸡爪线，可以用一些放松的线条（不要那么直）从物体或衬布的周围散出几道，也尽量不要平行线，可以向倒人字一样穿插着来，不要太多。笔触的话，前面的台面可以横着排，就是画面离哪个方向的布纹近，就用垂直那个方向的笔触去铺。记得用大笔铺，布纹可以最后勾。

透明的物体其实就是在画后面透过去的物体或衬布，可以在铺大色调的时候连透过去的后面一起铺满，然后利用一些明暗关系和冷暖关系的颜色勾或扫出来透明物体的质感。以上是玻璃器皿的画法。至于啤酒瓶，绿色不要画的太生（纯）了，至于你说的颜色哪上哪下的，其实都是根据啤酒瓶的结构和光线来决定的，要多观察。

其实联考没那么难的，我是带高考美术的，不懂都可以问我。你也可以多找一些视频教学来看，主要看人家是怎么塑造物体的体积的。

纯手打，希望对你有帮助。